中年音楽狂日記：Toshiya's Music Bar

"Standard Live 1991" Mike Stern (Bootleg)

またもブートレッグである。ブートレッグについては本来はあまり記事にすべきではないと思いつつ，昨今，ストリーミングでいろいろな音源が聞けるようになる中で，ブート音源は必ずしもその限りではない。そうは言っても，ブートまがいの音源も配信されているのも事実だが，結局はついつい聞いてみたいと思う欲望を抑制できないのだ。それでもって，某ショップでは2枚ブートを注文すると，特典盤が1枚付いてくるというサービスをしてくれるのだが，今回，ゲットしたのがこのMike Sternの91年の音源である。なぜこのブートを選んだかと言えば，その演奏曲目にあった。タイトルに"Standard"とあるように，ここでやっているのが"On Green Dolphin Street", "Airegin", "In a Sentimental Mood", そして"Sonnymoon for Two"なのだ。これは気になる。

ショップの情報によると，イタリアは、レッジョ・ネレミリアのアリオスト劇場での音源とあるが，ジャケの裏にはモントルーのライブと書いてあって，どっちが正解なのかはわからない。ブートレッグらしい適当さである（爆）。しかし，マイキー以下，Lincoln GoinesとBen Perowskyのトリオが出演するヴェニューとしてはこのアリオスト劇場（劇場の写真は→）は立派過ぎるような気がするのも事実だが，このメンツでモントルーもないだろうって気もするが，まぁよかろう。

惜しくも閉店してしまったNYCの55 Barでマイキーのライブを見た時，冒頭の手慣らしみたいに"On Green Dolphin Street"を演奏しているのを聞いたことがあるが，マイキーはスタンダードをやる時は，お馴染みのオーバードライブ踏み込みは抑制し，コーラスを効かせた音色で演奏をする感じだが，ここでもそういうパターンを踏襲した演奏となっている。それでも"Airegin"や"Sonnymoon for Two"ではやっぱりオーバードライブをブチかましている（特に後者が激しい）が...。踏まずにいられないんだろうねぇ（笑）。まぁ，ファンとしてはこれがないとやっぱりね...というところなのだが。

そもそもマイキーは"Standards (and Other Songs)"というアルバムをリリースしているし，それにはるかに先立ってリリースされたSteve Slagleの"High Standards"においても，スタンダードをちゃんと弾けることは実証されていた。そして，そもそもマイキーの相当のファンと言ってよい私にとっては，こういう音源はなかなかないので，実に魅力的に響くのだ。それが60分以上に渡って聞けるのだから，これは実に嬉しい特典であった。また，Licoln Goinesのベースにもかなりのソロ・スペースが与えられていて，ここまで彼のベース・ソロが聞ける演奏は珍しいと言えるだろう。

尚，ここに入っているMike SternのMCの声は，最近の声（あるいは喋りっぷり）とだいぶ違う印象を与えるのも面白かった。

ということで，このブートを契機として久しぶりに"Standards (and Other Songs)"を聞いてみることにしよう（笑）。

Recorded Live at Teatro Ariosto, Reggio nell'Emilia in 1991（あくまでもショップ情報で，実際のところは不明）

Personnel: Mike Stern(g), Lincoln Goines(b), Ben Perowsky(ds)

"Vienna 2023" Fred Hersch Trio (Bootleg)

世の中，いろいろなブートレッグが次から次へと出てくるものだと思ってしまったのが，このFred Herschのウィーンにおけるライブ音源について知った時であった。コロナ禍もあって，Fred Herschの来日は2018年から途絶えているが，8月には韓国，中国でライブをやったはずだ。どうせアジアに来るなら，どうして日本に寄ってくれないのかと恨み言の一つも言いたくなってしまうが，それを補うべく今回このブートを購入した私である。これは今年7月の音源で，トリオはDrew GressとJoey Baronというバック。これまでFred HerschはJohn HébertとEric McPhersonのトリオでの活動が長かったが，ここのところはリズムは流動的で，ベースはDrew Gressでほぼ固定のようだ。Drew Gressにしても，Joey Baronにしても旧知の間柄であるから演奏には問題はない。なんてたってJoey BaronはFred Herschの初リーダー作"Horizons"でも叩いていたからねぇ。

だが，このブートレッグ，全体の音質そのものには問題はないのだが，いかんせんトリオの音のバランスが悪く，Joey Baronのドラムスがほとんど聞こえてこない。一方，Drew Gressのベースがかなり目立つミキシングとなっており，極論すればFred HerschとDrew Gressのデュオ・ライブに聞こえてしまう。ドラムスも聞こえてくる瞬間もあるが，やはりこのミキシングはいかんだろうと言いたくもなるが，ブートに文句言っても仕方がない。それがブートレッグってものだ（笑）。

そして私が痺れてしまったのが，ラストの前に入っている"Somewhere"。おそらくトリオとしてのアンコール的に演じられたものだろうが，アドリブなしでメロディ・ラインを紡ぐだけにもかかわらず，この美的な響きには本当に参ってしまった。やはりFred Herschにはこういう響きが似合うと思ったが，いつ彼のライブに再び接することができるのかと強く感じさせる音源であった。

Recorded Live at Porgy & Bess Music Club on July 5, 2023

Personnel: Fred Hersch(p), Drew Gress(b), Joey Baron(ds)

数々の名曲を生み出したこのコンビも，Dan Pennが81歳，Spooner Oldhamが80歳の後期高齢者となっては，次があるかどうかはわからないということで，ビルボードライブ東京における彼らのライブを観に行ってきた。彼らの現在の雰囲気に近い写真をアップしておくが，実際は更によいよい感が増していると思ってもらえばよいだろう（爆）。

コロナ禍もあって，私がこのヴェニューを訪れるのは何と5年半ぶりで，前回はVictor Wootenのバンドを観に行って以来となる。その時から全然店の雰囲気は変わらないが，変化があったのは，予約情報がQRコードとしてメールで送られてきて，それを受付で提示するという仕組みになったことぐらいだろう。それによってチェックインのプロセスが効率的になったのは間違いないところだ。

それはさておきDan PennとSpooner Oldhamである。Dan Pennは杖を使わないと足元もおぼつかないし，Spooner Oldhamは演奏の途中でミスるという高齢者らしい姿を見ると，時の流れを感じざるをえないが，それでもDan Pennは年齢の割には声はよく出ていた。Spooner Oldhamはミスったものの，それ以外はご両人の楽器のプレイぶりもいい音が出ていたし，しっかりしたものだった。だからこそ，見た目とのギャップが大きいのだが，聞いていて思ったのが，つくづく彼らの曲がよくできているってことで，かつあのコード進行とメロディ・ラインは日本人には書けないだろうなぁなんて思っていた。

Dan PennとSpooner Oldhamの二人にこのこじゃれたヴェニューが最適だったかと言えば，ちょっと違うかなとも思う。しかしある意味，その姿を見られただけで満足しなければならないのだろうが，音楽としてちゃんと成立しているところを見て，安心したのであった。最後は案の定"Dark End of the Street"で締めたが，ついついしまったままのギターを取り出したくなってしまった私である。

因みに私はカジュアル・シートから見ていたのだが，ステージの前の最前列で妙に盛り上がる女性が二人いて，遠目だけに年齢はいくつぐらいかまではわからないが，世の中には渋い趣味の人もいるのだなとある意味感心していた私であった。

Live at ビルボードライブ東京 on September 26, 2023, 2ndセット

Personnel: Dan Penn(vo, g), Spooner Oldham(el-p, vo)

「777（トリプルセブン）」伊坂幸太郎（角川書店）

先日、お彼岸でお墓参りに行った際、行き帰りに気楽に読める本はないかと思い、この本を購入した。 伊坂幸太郎の「マリアビートル」を原作とする「ブレット・トレイン」を配信で観た時も荒唐無稽だと思ったが、この本もシリーズものだけに同様だと分かっていても、暇つぶしとして考えればよしとしよう（と開き直る）。

今回もついていない男、天道虫こと七尾が主人公だが、それにしてもいろんな殺し屋が出てくるものだ。 伊坂幸太郎の「ゴールデンスランバー」は非常に面白かったが、このシリーズもエンターテイメントとしては良いとしても，やっぱりこれはやり過ぎ感が強いよなぁと思いながら読んでいた。まぁそれでもあっという間に読了（頁数が少ないってのもあるが）してしまったのには，我ながら呆れてしまった。文句を言いながらやめられないんじゃん！ってところである。

詳しく書くとネタバレになるのでやめておくが，読みながら伊坂幸太郎は「なりすまし」が好きだねぇと思っていた。それはさておき，この小説を映像化した時には，誰をキャスティングするかというのを考えながら読むのも一興かもしれない。それでも決して私の好みのストーリーではないので，星★★★ぐらいにしておこう。

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"Rumours Live" Fleetwood Mac (Warner)

私はなんだかんだと言ってFleetwood Macの音源を多数保有している。結局ファンなんじゃんと言われればそうなってしまうと思うが，正直言って自分では熱烈なファンとは思っていない。しかし，そうは言ってもChristine McVieが好きなのは事実だし，Bob Welchも好きだった。だからこそ，一番メジャーだった時期以外の音源も保有しているのだが，これこそ彼らの人気絶頂期の音源と言ってもよいだろう。誰が何と言おうが，彼らのアルバムで一番売れたのは"Rumours"であることは疑いようがない事実だが，やはりその時のラインアップでの演奏は勢いがあったと思わせるに十分な発掘ライブ・アルバムだ。

この頃のFleetwood MacをFleetwood Macたらしめていたのは，優れたソングライターが3人いたということになると思う。一般的にはStevie Nicksの人気があったことは否定しないが，正直言って私はStevie Nicksの声が決して好みではない。私にとってそれを補って余りあったのがChristine McVieの魅力であった。そして，それを支えるバンドとしての演奏能力が優れていたというのが実感だ。ライブでの演奏を聞いていると，John McVieとMick Fleetwoodが支えるリズムが実にはまっていて，彼らの貢献度はフロントの3人よりは目立たないと言えども，バンドとしての屋台骨はこの二人がきっちり支えていたのだと思ってしまった。スタジオ・アルバムではあまり目立たないJohn McVieのベースの安定度なんて見事としか言いようがないのだ。

ということで，往時のこのバンドの素晴らしさを改めて追体験するのに適したアルバム。演奏は"You Make Loving Fun"の途中でChristineの声が途切れるなど粗い部分もあるが，以前リリースされた"Tusk"期のライブ盤よりずっとこっちの方がいいと思ってしまったと言っておこう。星★★★★☆。

Recorded Live at the Fabulous Forum, Inglewood, California on August 29, 1977

Personnel: Mick Fleetwood(ds, perc), John McVie(b), Christine McVie(key, synth, vo), Lindsey Buckingham(g, vo), Stevie Nicks(vo) 

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「椿三十郎」（’62，東宝）

監督：黒澤明

出演：三船敏郎，仲代達矢，加山雄三，入江たか子，団令子，小林桂樹，伊藤雄之介

なんとこの映画，このブログに登場するのは3度目だ。直近では，新たにリージョン・フリーDVDプレイヤーをゲットしたときにこの映画を見たのが昨年の8月。それをまた見ているんだから，私もつくづくこの映画が好きだってことがバレバレになってしまうが，見ていて痛快そのもの，実に面白い時代劇である。会社の休日の昼下がり，酒をちびちびやりながらこういう映画を見る至福。劇場で見られればなおよしだが，DVDだっていいのだ。

「用心棒」では桑畑三十郎だったが，今度は屋敷の庭を見て名乗った名前が椿三十郎である。悪い奴は悪い奴として描かれていて，あの志村喬でさえ本当に悪く，そして最後は情けなく見える（笑）。そして入江たか子や伊藤雄之介，そして小林桂樹の使い方も最高だ。

そんなに三十郎の打つ手がうまくはまるのかと言われれば，確かにケチのつけようもあるが，そこはエンタテインメントと割り切って見ればいいのだ。いずれにしても心地よく時間が過ぎていくのを楽しんだ私であった。休日の正しい過ごし方の一つだ（笑）。

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"Coltrane’s A Love Supreme Live in Amsterdam" Branford Marsalis (Rounder)

正直言って音楽DVDやBlu-rayってあまりプレイバックする機会がない。私はどちらかと言えば音優先なので，ついついCDやアナログLPの方が主になってしまう。だからこのCDが付帯されたDVDもラックには収まっていても，取り出す機会がほとんどないので，CDもプレイバックするのはいつ以来かわからない。だが，Branford Marsalisが「至上の愛」をライブで演奏するならば，聞きたいと思うのは当然だし，だからこそ私は本作も購入した訳だ。

と言っても，Branford Marsalisはこのライブが収録される前に，"Footsteps of Our Fathers"というアルバムで「至上の愛」を演奏しているから，そっちを取り上げてもよかったのだが，そこは天邪鬼の私である。そう言えば...ってことで，これを取り出してきたのである。

DVDの方はインタビューとかも入って110分を越えるが，音だけなら余計なコンテンツなしで48分強なところも，私はCDの方がいいやと思ってしまう。それでもって，演奏はと言えば，Coltraneと同じレベルとはいかずとも，それを意識さえしなければ十分聞ける演奏である。本家があまりに凄過ぎて損をしているという気がしないでもないが，これはなかなか燃える音源となっている。少なくとも私にとっては"Footsteps of Our Fathers"での演奏よりもこちらの方が好ましい。これだけ熱い演奏をしてくれれば，アムステルダムの聴衆も満足だっただろうし，特にPart 2～3辺りの反応にそれがよく表れていると思う。

Coltraneの演奏を知る人間からすれば，気に入らないところもあるだろうし，Branford Marsalis本人にとってはチャレンジだったと思うが，十分聞く側の期待には応えた演奏だと思う。星★★★★☆。

Recorded Live at Bimhuis, Amsterdam on March 30, 2003

Personnel: Branford Marsalis(ts), Joey Calderazzo(p), Eric Revis(b), Jeff "Tain" Watts(ds)

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"First Visit" Dave Liebman（Philips→West Wind）

先日，Facebook上でこのアルバムのジャケ写真を見て，久しぶりに取り出した私である。Dave Liebmanが73年に来日した折に，同じタイミングで来ていたStan Getzのバンドの3人と共演してPhilipsレーベルに録音したアルバム。これがLiebmanにとって2作目のリーダー作だそうだ。

下に掲げるオリジナルのLPのジャケットも正直訳の分からないものだったと言ってもいいが，このCDのジャケットは更にないなぁと誰しもが思うであろう。折角素晴らしい演奏が収められているのに，購買意欲をそぐデザインには怒りすら覚える（爆）。

LPでA面に相当する2曲がクァルテットで演じられ，B面に相当する4曲がメンバーとのデュオまたはトリオで演じられるのだが，Dave Liebmanらしいハイブラウな感覚炸裂ってところである。冒頭の"Man-Child"から興奮させられ，最後のJack DeJohnetteとのバトルで締めくくられるタイトル・トラックで改めて興奮させられるという構成にやられる。それは決して中だるみするという意味ではない。いい塩梅の緩急がつけられていて，あっという間に時間が過ぎ去る感覚だと思ってもらえばよい。そして盟友Richie Beirachとはこの競演が縁となってLookout Farmにつながったのかもしれない（あくまでもこれは私の想像で，二人は本作前に既に知己を得ていたのかもしれないが...）と思うと，実に感慨深い。

上述の通り，かなりのハイブラウさで迫ってくるので，万人向けの音楽とは言えないかもしれない。しかし，Dave Liebmanに痺れたことがあるリスナーであれば，爆音再生必須の好アルバム。星★★★★☆。

Recorded on July 20 and 21, 1973

Personnel: Dave Liebman(ts, ss, fl), Richie Beirach(p), Dave Holland(b), Jack DeJohnette(ds)

"Black Rainbow" Corinne Bailey Rae (Thirty Tigers)

主題に書いた「驚きの」というのは決して大げさではない。本作に収められた"Erasure"ようなパンク的にさえ響く曲を聞いて，これまでのCorinne Bailey Raeのイメージからの大きな変化を聞けば，一体彼女に何があったのかと思いたくなっても仕方がない。この変化を受け入れられるか否かによって，このアルバムの評価は変わるだろう。ジャケからしてこれまでと雰囲気違うしなぁ。

しかし，元々，Corinne Bailey Raeはガールズ・バンドでパンクをやっていたこともあるとの話もあって，これまでの活動の方がそこから乖離していたものだったと言えなくもない。だが，原点回帰というよりも，このアルバムはシカゴにあるStony Island Arts Bankのオブジェやアート作品にインスパイアを受けたというものらしい。ここまで変わるということは強烈なインスピレーションを与えたということだよなぁなんて思ってしまう。

そして"New York Transit Queen"のなんだかチア・リーディングのための曲のように響く曲が異色。聞いていてTony Basilの"Micky"を思い出してしまった。やっぱりこれには面食らうってところだろうが，以前の彼女の音楽にあったソフトさが減少しているのは明らかだ。私のようなリスナーにとってはこの変化にはやはり戸惑ったというところ。音楽的にはよくできているとは思うが，これは私がCorinne Bailey Raeに求める音ではないなぁ。星★★★☆ぐらいってところか。

尚，彼女のアルバムのクレジットは文字が小さ過ぎて老眼には解読不能なので，Personnelは省略。因みに本人はギターやキーボードも演奏している。

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「ブルー・サンダー("Blue Thunder")」(’83，米，Columbia）

監督：John Badham

出演：Roy Sheider, Warren Oates, Malcolm McDowell, Candy Clark, Daniel Stern

私は80年代はあまり劇場で映画を観ていない。前半は浪人中から大学生で学生時代はほぼ音楽を聴くことに集中，後半は社会人になって仕事も結構忙しかったこともあって，映画はもっぱら当時はレーザー・ディスク（死語）で観ていた。この映画もその後ビデオで観ることもなく，今回初めて観たと思う。ただ，このポスターは印象に残っている。

主演のRoy Sheiderは70年代は作品に恵まれていたが，80年代以降の作品では印象に残るものが少ない中くなっていたように思うが，主演としては本作あるいは「2010」辺りを境に完全に失速したと言ってもいいかもしれない。まぁ，美男でもなんでもないから，作品に恵まれないとどうしようもないところもある。

それはさておき，これは空撮が全てと言ってもよい映画だと思う。シナリオはかなり無茶苦茶で，LAの市街地でF16がミサイルをぶっ放すこと自体ありえない。ストーリーもヴェトナム後遺症とかありがちで想定通りのものだ。それでも，ヘリ対ヘリ，ヘリ対F16にカーチェイスも交えて，アクション映画としてはそれなりに見られるとしても，評価としては星★★★で十分だろう。

Malcolm McDowellは相変わらずファナティックな感じで，この人はいつもこうなっちゃうのは「時計じかけのオレンジ」のせいだろうなぁと思いながら見ていた。

また，Roy Sheiderのボスを演じるWarren Oatesは，映画としてはこれが遺作だと思うが，映画のエンディング・ロールでもWarren Oatesへの献辞が出てくる。Warren Oatesがパイオニアのカー・ステレオのTVコマーシャルに出ていたのも懐かしいが，その当時はどういう人選やねんと思っていた。「渋い」ということで選ばれていたんだろうが，しかも音楽はRy Cooder，ナレーションは確か片岡義男だったはずだ。趣味出過ぎである（笑）。こっちも懐かしいので，映像を貼り付けておこう。Warren Oatesも「デリンジャー」や「ガルシアの首」で主役を張ったが，どちらかと言えば，主役を食う脇役の方がしっくりくる。この映画では存在感はあるものの，活躍の場が限定的ってのはストーリー上，仕方がないとは思うが，いずれにしてもいい役者であった。

尚，脚本にDan O'Bannonの名前を見つけて，へぇ～と思っていたことも追記しておく。やっぱりこの人は「エイリアン」が最高だったな。

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"Solo Concert in Antibes" Keith Jarrett（Bootleg）

これは結構前に入手したブートレッグだが，記事にしていなかったので，改めて聞いてみた。この音源はRadio Franceが再放送した音源がもとになっていて，出るべくして出たブートである。それゆえ音自体は全く問題ないが，日頃のECMのエコーが聞いた音に慣れた耳からすれば，本当はこういう音なんだよなぁと思わせるピアノの響きである。このブート，CD-R2枚組だが，1枚目に1stセット，2枚面に2ndセットを収めているが，1枚目は約43分の即興の後に，アンコール的に聴衆に手拍子を求めたり，喋りもはさみながら約10分演奏するというのが珍しい。気難しいKeithもこの日は機嫌がよかったということだろう。ただ，この1枚目はいかにもKeith Jarrett的演奏ではあるのだが，若干美的な感覚が乏しいように思える。

しかし，2枚目に転じて，感覚が随分違う演奏を聞かせる。現在は病気で引退状態のようなKeith Jarrettではあるが，まだライブを開催している時期に私が聞いた演奏では，第1部はアブストラクトに，第2部は美的にという展開が通常であったから，これ以前からそうだったということだったのかもと思わせる部分もあった。第2部でも途中でアブストラクトな感覚も混ざってくるが，この日の演奏でのKeith Jarrettはやや集中力に欠けるような気がするのも事実。だからこそ，第2部のアンコールで演奏される"My Song"や"Never Never Land"の方がいいと思ってしまうのだが。これを機会に別のブートで保有する1975年のブレーメンでのライブ音源でも試しに聞きなおしてみることにしよう。

Recorded Live at Juan-les-Pins, Antibes on July 25, 1979

Personnel: Keith Jarrett(p) 

"Children’s Songs" Chick Corea（ECM）

いろいろなアルバムで公開されてきた"Children's Song"を集大成したのがこのアルバムであった。私の記憶ではリアルタイムで聞いたのが"Friends"に入っていたのが最初だったように思うが，"Light as a Feather"に既に"Children Song"として1曲収録されているから，長い歴史の中で積み上げられてきたものであろう。

一番短い曲は38秒しかないし，長いものでも2分38秒であるから，まさに主題の通りの小品集である。私はこのアルバムがリリースされた時に，リアルタイムで入手していたが，その当時からへぇ～と思いつつ，Chick Coreaを聞くならこれからじゃないなぁと思っていた。もちろんピアノの響きは十分に美しいし，悪いとは思わない。でもプレイバックの回数が上がっていかないというのが正直なところであった。私が現在保有しているのは，ECMからのソロ・ピアノ作品を集成したボックス・セットであるが，買ってからこのアルバムをプレイバックしたかどうか...。しかし，一度曲集としてまとめてリリースしたくなったChick Coreaの気持ちはわからないでもない。

"Children's Songs"20曲の後に，ECMの総帥Manfred Eicherに捧げて"Addendum for Violin, Cello and Piano"が収録されているが，正直言ってしまえば，LPで聞いていた時代にこの曲を聞いた記憶に乏しい。その頃から既にプレイバック頻度が低かったことの証左であるが，まぁアルバム全体を通じてジャズと言うよりは，現代音楽的な響きが強いように思うが，当時の私はまだ現代音楽への耐性ができていなかったことも影響しているかもと今更ながら思う。

今は全然抵抗なく聞けるが，それでもこれからもプレイバック頻度が上がるとは思えないが，久しぶりに聞いてちゃんと聞けるアルバムであったことは再認識した私である。星★★★★。

Recorded in July, 1983

Personnel: Chick Corea(p), Fred Sheery(cello), Ida Kavafian(vln)

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"Close to the Edge" Yes（Atlantic）

長年聞いているこのアルバム。最初に買ったのは国内盤のLPであった。それが現在はCDに置き換わったが，私の人生の中で非常にインパクトの強かったこのアルバムをオリジナルで聞いてみたいという欲求がなぜか異常に高まってしまった。そこで，まずは結構初期プレスのはずのRCA Club Editionというのをゲットしたのだが，ジャケの状態は比較的いいものだったし，盤質もよかったのだが，私のしょぼいオーディオ・セットでも明らかに高音がきつい。イコライザーでごまかすという手もあるが，これでは全く納得がいかない。値段もそんなにしなかったのはその辺の理由によるものだろう。

音としてはこんなはずではないだろうということで，諦めきれずに次にゲットしたのが，音圧が高いと言われるUSオリジナル（所謂AT/GP刻印，Presswellプレッシング）であった。惜しくもマトリックスは両面Bであったが，それでも初期プレスであることには違いはないので結構な値段はした（大人買いである）。ジャケの状態はRCA Club Editionには負けるが，盤質は良好（若干のスクラッチ・ノイズはあるが，それほど気にならない程度。それがなければ完璧だったのだが...）のものだ。これが全く違う音が出てきて驚いたのだが，とにかく迫力が違う。しょぼいセットでもわかるのだから，この違いは明らかだと思ってしまった。

私はどちらかと言えば音楽は聞ければいいというタイプの人間なので，こういうのは無駄遣いだと思ってきたが，昨今のソフト購入枚数の減少の分を，こういう方につぎ込んだって感じか。それでも無駄遣いは無駄遣いであることには間違いないが...（苦笑）。

だからと言って，ほかのアルバムに関しても同じようなことをしようとは思わないが，それでもジャケが好きな"Relayer"の英国オリジナルも同時期にゲットしているんだから，ほかにも同じようなことをしてしまうかもなぁ。でも音楽としては圧倒的に「危機」の勝ち。何年経っても凄いアルバムだと再認識。こんどは改めてCDで聞いて比べてみよう。我ながらアホだよなぁと思いつつ，今回の買い物はある意味勉強になったと思っている。

「第三の男（"The Third Man"）」（’49，英）

監督: Carol Reed

出演: Joseph Cotten, Valli, Orson Welles, Trevor Howard, Bernard Lee

先日「サムライ」の後に見たのがこの映画である。何も言うことのない不朽の名作であり，私の亡くなった父が度々この映画について話していたのを思い出す。

原作者Graham Greeneが書いたシナリオも素晴らしければ，サスペンスフルなCarol Reedの演出，オスカー受賞も当然と思わせるRobert Kraskerの光と影を駆使した撮影，そしてAnton Karasのチターによる音楽と，全てが素晴らしい。まさに私にとっては完全無欠の映画と言ってよい。

私はこの映画を何度も見ているが，見るたびに感心させられてしまう作品。オープニングからエンディングまでいくつもの印象的なシーンにも満ちた真の傑作。この映画を見ればウィーンという街への憧れも強くなる。星はいくつあっても足りない。

本作へのリンクはこちら。

恥ずかしながら私はブルックナーの音楽と無縁なまま還暦を過ぎたのだが，ここに来てオーケストラの響きを生で聞きたいという欲望が増してきているのは，私がこのブログでクラシックのコンサートについての記事をアップすることが増えていることと無関係ではない。ロックにはロックの良さがあれば，ジャズにはジャズの良さがあるように，クラシックにはクラシックの良さがあるのだ。

ということで，私が今回行ったのが読響定期で演じられたブルックナーの交響曲4番であった。そもそも私はブルックナーのいい聞き手ではないどころか，これまでほとんど聞いたことがなかったというのが実態だ。しかし，私の周りにはブルックナー好きが存在していて，ようやく聞いてみるかとなったのは１年ちょっと前ぐらいだと思う。

そして臨んだのが今回のコンサートだったのだが，指揮したMario Venzagoは気のいい爺さんっていう感じであった。それはさておき，今回の演奏は周りの聴衆の熱狂具合に比べるとしっくりこなかったというのが正直なところであった。私にとっては聞いていて違和感が強かったのがなぜなのかよくわからなかったので，この演奏を聞かれたブルックナー通の方に聞いてみたのだが，非常にユニークな演奏だったそうだ。なるほどそういうことかと思ってしまった。ブルックナー初心者のような私にとっては，よりオーセンティックな演奏の方がピンとくるという感じだったんだなというところであった。結局は経験値の不足ということをよく理解したのだが，まだまだ修行が足りないってことだ（笑）。

ということで，私にとっては第一部で演奏された大編成現代音楽と言ってよさそうな，読響とも縁の深いスクロヴァチェフスキの交響曲の方が面白かったという結果になったのであった。

Live at サントリーホール on September 12, 2023

Personnel: Mario Venzago(cond), 読売日本交響楽団

「サムライ（Le Samouraï）」（’67, 仏/伊）

監督：Jean-Pierre Melville

出演：Alain Delon, François Périer, Nathalie Delon, Cathy Rosier

初めてこの映画を見たのだが，何とも言えない雰囲気を持つ「ザ・フィルム・ノワール」と言ってもよい映画である。とにかくAlain Delonがカッコいいねぇ。当時の奥方，Nathalie Delonの映画デビュー作というオマケつき。

この映画，一匹狼の殺し屋を演じるAlain Delonは劇中，寡黙と言ってよい演技で通し， とにもかくにもAlain Delonをカッコよく見せることに成功している。そしてこの映画を非常に印象深いものとしているのがlain Delonが着用する帽子とコートの着こなし。これを見たらマネしたくなること必定だが，Alain Delonだからきまるのであって，私がやっても絶対に似合わない（当たり前だ！）。

とにもかくにも，非常に雰囲気のある映画であり，またそれを高めるのに貢献したのがピアニストを演じたCathy Rosierだろう。フランスのジャズ・クラブの雰囲気を醸し出しながら，Nathalie Delonよりも印象に残るのは彼女の方だと思ってしまった。

いずれにしてもAlain Delonのカッコよさを余すところなく捉えた快作。星★★★★☆。

本作のBlu-rayへのリンクはこちら 。

Mike SternがJeff Lorber Fusionとの共演作"Eleven"をリリースしたのが2019年の秋口のことであった。その後，来日も予定されていた彼らだが，突然のパンデミックにより公演は中止となった。それから約3年半の時を経て，ついに彼らが来日し，Blue NoteとCotton Clubでライブを行った。私が行ったのは主題の通り，今回の最終公演となったCotton Clubでのライブである。ステージの並びはBlue Noteでも同様であったが，Blue NoteとCotton Clubの双方でライブがあるならば，常にCotton Clubを選ぶのが私の主義である。ハコのサイズの違いもあって，インティマシーが違うのだ。

私にとってはマイキーのライブは2019年以来，Jeff Lorberのライブは2016年以来ということで，実に久しぶりに彼らの演奏に触れることができた。

それでもって今回のライブだが，これはMike Stern / Jeff Lorber Fusionではなく，Mike Stern Band Featuring Jeff Lorber and Leni Sternというのが正しいのではないかと感じていた私である。Cotton Clubの出演者告知も右の写真のように，Mike Stern Jeff Lorberだったしねぇ。もちろん，"Eleven"からの曲はやっていたが，Jeff Lorber が書いた"Motor City"なんて，アルバムのヴァージョンはJLF色濃厚だったものが，完全にマイキーの音にしてしまっていた。それが悪いというのではなく，マイキーのファンとしては「よし，よし」になってしまうのだが，ほかの演奏を聞いていると，アルバムでも感じたように，マイキーとJeff Lorberが共演することによるシナジーがもっとあって然るべきだったと感じていた。

だからと言って演奏は聴衆を興奮させるに十分だったが，Leni Sternを入れたのはどうだったかなぁって気がする。Mike Stern / JLFとするならば，本来ならホーンを一人入れるのが筋なのだ。私はLeni Sternのアルバムも結構評価しているので，彼女の演奏がどうこうという訳ではない。コンセプトが違うのだ。だから，冒頭，Leni Sternをフィーチャーした"Like a Thief"で幕を開けた時には，実は「おい，おい」と思っていたのだ。

一方，Jeff Lorberはキーボードでいけているフレージングを連発していたが，PAのバランスがあまりよろしくなく，バンドの音にそれが若干埋もれてしまっていたのは惜しかった。しかし，あのキーボード・プレイは実によかった。マイキーのギター抜きでフィーチャーされたのが"Rain Dance"が魅力的に響いたからこそ，Jeff Lorberはもっと目立ってもよかったと思う。

まぁ，今回は日頃からやっているメンツとは違うという感じで，各々のメンバーをフィーチャーするところもあって，いつものマイキーのバンドのライブとは雰囲気が若干異なっていたが，結局はマイキーの音に帰結していくというのが，マイキーのマイキーたる所以だ。アンコールはジミヘンをやって，その直後に"Satisfaction"のイントロを弾きだして，「冗談だ」と笑わせてライブは終了した。

マイキーは終始ご機嫌だったし，Leni Sternも聴衆の反応を楽しんでいたように思うが，Jeff Lorberが演奏中にあくびをかみ殺していたのは完全に時差ボケだなぁって感じであった。その割にフレーズがキレキレなのはさすがプロである。いずれにしても，マイキーの演奏にはついつい笑みが洩れてしまうライブであったと言っておこう。マイキー好きは結局楽しんでしまうのだが，それでももっと激しくやってくれという感覚は残ったが...。まぁ次は自分のバンドで来てくれることを待とう。

一点だけ文句を言っておきたいのは，アホな聴衆の存在である。Hadrien Feraudのベース・ソロの場面で手拍子するのはいいが，完全にリズムとずれとるやんけ！マイキーが手拍子をして修正を試みるも，全く改善せずのバカ聴衆には辟易とした。楽しむのはいいが，無駄な手拍子はお願いだからやめてくれ。まじで人の迷惑を顧みない恥知らずである。

Live at Cotton Club on September 11, 2023

Personnel: Mike Stern(g, vo), Jeff Lorber(key), Leni Stern(g, ngoni, vo), Hadrien Feraud(b), Gary Novak(ds)

"You and Me Both" Yazoo (Mute)

とかく音楽に関してはアメリカ指向が強い私でももちろん例外はある。Yazooなんてその例外に入るバンドである。エレクトリック・ポップなんてのはほとんど聞かない私だが，Yazooは"Upstairs at Eric's"が非常に好きで，結局2008年にリリースされたボックス・セットを仕入れたぐらいである。よって，このアルバムもそのボックスに入ったものなのだが，オリジナルのリリースがもはや40年前，ボックスのリリースからも15年も経っているというのは信じがたい。やはり加齢により時間の経過がどんどん早く感じてしまうのだ（苦笑）。

それでもって，このセカンド・アルバムにして最終作（その後，リユニオンしてライブ盤を出しているが...）である。編成が編成だけに，感覚的にはデビュー作と同様であるが，このセカンド・アルバムはデビュー作に比べると，曲のクォリティが少々落ちたように気がする。Alison Moyetの声は相変わらず魅力的だし，Vince Clarkeの作り出すサウンドにも特に文句はないのだが，"Upstairs"が持っていたキャッチーさに欠けるような気がする。

まぁ，これはバンドそのものが，このアルバムのリリース前に解体していたということもあって，二人の間に何らかの軋轢があったと考えることもできるから，そういう雰囲気を反映してしまった部分もあるだろう。アルバムとしてはそれでも十分楽しめるとは言え，ついつい"Upstairs at Eric's"と比べてしまうと，星としては★★★★がいいところだろう。ちなみに"Happy People"はAlison Moyetが歌唱拒否したので，Vince Clarkeがヘタウマ・ヴォーカルを聞かせている。Alison Moyetの歌唱力が高いため，このギャップには笑える。

ってことで，そのうち再結成ライブでも聞いてみることにしよう。

Personnel: Alison Moyet(vo, p), Vince Clarke(Noises, vo), The Sapphires(vo) 

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"Outward Bound" Sonny Landreth (Zoo)

Sonny Landreth，スライド・ギターの名手である。しかし同じスライド・ギターではDerek Trucksの陰に隠れてしまって，どうしてもメジャーにはならない。しかし，John Hiattのバック等で聞かせるギターを聞けば，この人が凄いギタリストだということはわかるはずだ。そして，リーダー作も結構出しているが，決定的な作品がないというのが私の印象だ。長年やっているこのブログでも，彼のアルバムは"From the Reach"しか取り上げていない。ほかにもアルバムを保有しているにもかかわらずだ。これがミュージシャンズ・ミュージシャンの限界という気もするが，そんなSonny Landrethのアルバムで，多分私が最初に買ったのが本作だったはずである。

そしてこれを久しぶりに聞いてみると，かなり印象が違う。冒頭から強烈なギターが聞こえてきて，これはいいと思える。"From the Reach"は多彩かつ豪華なゲストを迎えて制作されていたのに対し，このアルバムは基本フォーマットがJohn Hiattのバックを務めたThe Gonersのメンツで固められており，基本はギター・トリオとしたところが成功の要因だと思える。ゲストもJohn Hiattは入っているが，ゲストは控え目にして，Gonersとしての感覚を出しているところがまとまりがあっていいのだ。また，ここで聞かれるSonny Landrethのスライドの技には相変わらずぞくぞくさせられる。

やっている音楽に比べると，ヴォーカリストとしてはテナー・ヴォイスなので，若干線が細くも感じられるが，それを補って余りあるギターの技である。まさにアメリカン・ロックの良さを感じさせてくれる。今までつれない扱いをしてきたこのアルバムだが，今回の再聴を契機に格納場所を格上げしよう（笑）。曲のクォリティにはばらつきがあるが，反省も込めて少々甘いと思いつつ星★★★★☆としよう。

Personnel: Sonny Landreth(vo, g), David Ranson(b), Kenneth Blevins(ds), John Hiatt(vo, g), Steve Conn(org, accor), Sue Medley(vo), Marce Lacouture(vo)

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"Europa" Courtney Pine (Destin-E)

私はバス・クラリネットの響きが結構好きである。このアルバムを購入したのも全編でCourtney Pineがバスクラを吹いているからというところが最大の要因であった。しかし，そんな私もこのアルバムは何度聞いてもよくわからない，と言うかピンとこない。買ったのは随分前だが，まったくブログにアップできなかったのは，それが理由と言ってもよい。

なぜなのかとか考えると，それはこのアルバムに収められた曲の中近東的な響きを持つメロディ・ラインにあるのではないかと思ってしまう。私は例えばLionel Louekeのアフリカン・テイストをよしとしないということはこのブログにも何度か書いている。このアルバムに聞かれる異国情緒のようなものがどうしても違和感をもたらしているのだろうと思えてしまうのだ。

アドリブ・パートになって，必ずしもそうした異国情緒を感じさせなくなると，まぁ聞けるかなとも思うのだが，主題に戻るとやっぱりこれは自分には合わないと思ってしまう。結局，これは私が得意としない類の演奏であり，いくらバスクラ好きでもダメだったというアルバム。自分の嗜好に合わないだけなので，星を付けるのはやめておこう。

Personnel: Cortney Pine(b-cl, synth, org, harmonium, perc), Shabaka Hutchins(cl), Omar Puente(vln), Amanda Drummond(vla), Cameron Pierre(g, mandolin), Dominic Grant(g), Zoe Rahman(p), Alec Dankworth(b), Mark Mondesir(ds), Robert Fordjour(ds, perc)

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"An Evening with Chick Corea and Herbie Hancock" Chick Corea / Herbie Hancock (Polydor)

これは確か父の遺品のはずだ。もともとこのデュオのライブはColumbiaレーベルから，Herbie Hancock / Chick Coreaという名義で既に出ていたところに，こちらは当時のChick Corea所属のPolydorからリリースされたもの。Columbia盤と曲のダブりは"Maiden Voyage"と"La Fiesta"のみというのはまぁいいだろう。そのせいもあるが，Columbia盤とは随分と雰囲気が違う。バルトークの"Microcosmos"をやっていることもあるが，こっちの方が演奏はアブストラクトな感覚が強い。それをどう捉えるかによって，Columbia盤との好き嫌いはわかれるだろう。

まぁ大物二人の競演であり，当時は「世紀の競演」なんて騒がれたようにも思うが，その後も何度かこのデュオはライブで演奏をしたから，まぁ最初の頃の鮮度は徐々に薄れていったというのが実態だろう。それでも当時は結構大騒ぎになっていた記憶があるし，確か東京での演奏は武道館だったはずだしねぇ。

演奏のクォリティには別に文句はない。しかし，このCDについては，"Maiden Voyage"と"La Fiesta"に編集を施したところはどうなのかねぇと思ってしまう。まぁ，Columbia盤にも入っているからということはあるかもしれない。しかし，アナログ2枚組に収められたこの２曲よりもだいぶ演奏時間が短くなっている。CDを２枚組にするほどではないという判断もあっただろうが，それなら演奏には大差ないのだから，アナログでもこの２曲そのものも省いてもよかったようにも思えるのだ。そうは言いつつ，Polydorとしてはこの２曲抜きでは売れ行きに影響すると考えるのも無理はないが，CD化に際してのこの編集はやはりいただけない。

いずれにしても，残り物にしておくのはもったいないというのは事実だとしても，やはりColumbia盤に比べると存在感が薄いのはいかんともしがたい。演奏に免じて星★★★★とするが，商売っ気が感じられすぎると思うのは私だけではあるまい。

Recorded Live in San Francisco, Los Angeles and Ann Arbor in February1978

Personnel: Chick Corea(p), Herbie Hancock(p)

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"Alive and Well in Paris" Phil Woods and His European Rhythm Machine (Pathé)

血沸き肉躍るって感じのアルバムである。冒頭の暗殺されたRobert Kennedyに捧げた"And When We Are Young"からしてメランコリックでありながら，激しいブロウに転むずむずしてくる大概のジャズ好きはしびれてしまうのではないかと思ってしまう。まぁ，全編を通じて一本調子だ，オーバー・ブロウイングだと言ってしまえばその通りかもしれない。しかし，この身体がむずむずしてくる感覚は貴重だと思う。そうは言っても，このアルバムのハイライトは"And When We Are Young"なのだが。

それにしても，昨今は私も欧州ジャ

ズをかなり聞くようになったので，ここでのバッキングを務める3人は，今となっては欧州におけるビッグネームではないかと思えるとしても，このアルバムが出た当時は，欧州のミュージシャンの実力の高さを認識させる効果もあっただろう。そうした意味で実に意義のあるアルバムだったと思ってしまう。それも含めて星★★★★★としてしまおう。改めて聞いて興奮してしまった私である。

Recorded on November 14 & 15, 1968

Personnel: Phil Woods(as), George Gruntz(p), Henri Texier(b), Daniel Humair(ds)

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"Live in Australia with the Melbourne Symphony Orchestra" Elton John (MCA)

Elton Johnの1986年の豪州ツアーの模様を収めたライブ・アルバム。これが何ともゴージャスに響くのはメルボルン交響楽団との共演によるものと言ってよい。このオーケストレーション，少々仰々しいようにも思えるが，アレンジと指揮は後に映画音楽家として成功するJames Newton Howardである。その名前を見ればなるほどって思える部分もあるが，まぁこういう盛り上げ方もありである。

こういう企画なので，曲はオケ伴奏にフィットするような曲が中心になっているのは仕方ないところとも思えるが，ここから洩れている曲は，おそらくは同日のライブの第一部で行われたであろうバンド演奏で行われたということだろう。その辺りをどう考えるかってところもあるが，これはこれで十分に楽しめると思う。主題の通り，結構金は掛かっているだろうなぁ。星★★★★。

Recorded Live at the Sydney Entertainment Centre on December 14, 1986

Personnel: Elton John(vo, p), Davey Johnstone(g), David Paton(b), Charlie Morgan(ds), Fred Mandel(key, synth), Ray Cooper(perc), Jody Linscott(perc), Alan Carvell(vo), Gordon Neville(vo), Shirley Lewis(vo), Onward Internationa Horns<Raul D'Oliveira, Paul Spong, David Bitelli, Rick Taylor>(horn), James Newton Howard(cond), Melbourne Symphony Orchestra

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「007/ムーンレイカー ("Moonraker")」（’79，英/仏/米，MGM/UA）

監督：Lewis Gilbert

出演：Roger Moore, Lois Chiles, Michael Lonsdale, Richard Kiel, Corinne Cléry, Bernard Lee

先日，Amazon Primeで「ノスタルジア」を見たという記事をアップしたが，Tarkovskyらしい難しい映画を見て疲れた頭をほぐすには，単純明快な映画がよかろうと思い選んだのが本作。2作のギャップがでか過ぎだろうという声が飛んできそうだが，我ながら無茶苦茶なチョイスだと思うが，まぁいいのだと開き直る。

私は007シリーズは好きだが，その中ではRoger Mooreの作品群は評価が低いことはこれまでにも書いた通りである。そしてこの「ムーンレイカー」は荒唐無稽もここまで行くかという感じであり，この映画も評価は決して高まらない。そもそも本来は前作「私を愛したスパイ」で次作は「ユア・アイズ・オンリー」だと告知されていたにもかかわらず，「スター・ウォーズ」や「未知との遭遇」等のなど大ヒットを受けて，急遽本作が製作されたというところも，付け焼刃感があるのは当然である。

しかし，SFライクな展開ということもあり，視覚効果は「サンダーバード」や「謎の円盤UFO」にも対応したDerek Meddingsが当たっている。英国側としてはこうした人材に当然力を借りたくなるところであったと思われる。まっぁそれはそれでよいとしても，やはり無理がある展開のシナリオで，いくら視覚効果で頑張っても，厳しいものは厳しいと言わざるをえない。

Richard Kiel演じるジョーズももはやお笑いという世界になっているが，終盤でキャラ変してしまうので，シリーズへの登場は本作で終了ということになった。

とにかく何でもかんでも詰め込みましたっていう感覚を与えるこの映画で，唯一ほめられたものと思うのは，冒頭の飛行機からの落下のシーンだろう。このシークエンスはどうやって撮ったのかと思わせるものだが，それだけじゃねぇ...ってことで，星★★☆。

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"Greatest Hits: Deluxe Edition＋Live Collection" Aerosmith (Universal/Capitol)

私はAerosmithのファンでもなんでもないのだが，彼らの50周年(!)のベスト盤はデラックス・エディションが3枚組で，日本国内向けにそれにライブ音源3枚を追加した6枚組ってのが出ている。ついついこうなってくると，買ってしまうってのはどうなのよ？と言われれば，アホなんです...と開き直るしかない。

私は，長いことAerosmithのアルバムは"Rocks"と"Draw the Line"があればいいやと思っていた。だが，ストリーミングでクラシック・ロックとかのジャンルでランダム再生していると，プレイバックされるAerosmithの昔のレパートリーもなかなかいいものだったので，まぁ買っておくかと思ったのが今回の購入の理由ではある。それでも，こういうフォーマットで出てくるのは媒体天国，日本らしいと言わざるをえない。

大体6枚組なんていつ聞くのよ？と問われれば答えに窮するが，まぁゆっくり，じっくり聞いていきますとしか言えない。6枚組で税抜き￥7,800だから，1枚当たり￥1,300という価格をどう考えるかもあるが，これぐらいなら許せるってところか。ということで，時折とち狂って訳の分からない買い物をする中年音楽狂である。

それにしてもこのパッケージ，開けにくいこと甚だしいが，もう少し何とかならなかったものか。

"Live in Italy" John Patitucci (Three Faces)

昨日に続いてBrian Blade絡みである。

日本という国は媒体天国だと思う。いまだにやれ紙ジャケだ，SHM-CDだとか言って，ガンガンCDがリリースされている。音楽は配信やストリーミングが当たり前になっている中で，こうした動きを主導しているのは，私たちのような高齢者だろうなぁと思いつつ，やはりダウンロードの手触り感のなさだったり，クレジットがはっきりしないというのが気に入らないのだ。アナログ復権もそういうところがあるようにも思う。

このアルバムも海外においてはダウンロード・オンリーでリリースされていて，当然私もリリースされた段階から聞いていた。しかし，今般，日本限定でCD化され，しかもボーナス・トラック入りとあっては，これはついつい食指が動く。ということで，私も改めてCDでゲットして，音源を聞いてみた。

まぁメンツがメンツだけに，最初からいいに決まっていると思わせるトリオである。John Patitucciには同じ楽器編成（＋一部でパーカッションやチェロが入る）で，サックスをJoe Lovanoに代えた"Remembrance"というアルバムも残しているが，そちらもなかなかに優れた出来であった（同作に関する記事はこちら）。だから当然，管をクリポタに代えた本作は更に期待が高まるのだ。クリポタことChris Potterは現在のテナー奏者としてはNo.1と言ってよいと思っているし，ドラムスはBrian Bladeであれば，悪くなるはずはない。そして，その予断（笑）は決して外れることはなかった。

"Remembrance"同様，John Patitucciはアコースティック，エレクトリックの両刀使いであるが，演奏には全く違和感がない。どっちも無茶苦茶うまいのは前々からわかっているとは言え，アコースティックの音もいいし，素晴らしいベーシストである。そこに乗るクリポタのテナー／ソプラノ，それを煽るBrian Blade。イタリアの聴衆が羨ましいと言いたくなるのも当然であった。

ボートラとして加わっているのが"And I Love Her"というのは選曲としては意外な気もするし，ほかの演奏に比べるとこのトリオへのフィット感は...って気がしないでもないが，まぁそれでもオマケと考えれば腹も立たないし，そこに至る公開済みの音源は実にスリリングで楽しめた。実力者が集まれば，こうなるし，こうできるということを実証したナイスなライブ盤。星★★★★☆。

Personnel: John Patitucci(b), Chris Potter(ts, ss), Brian Blade(ds)

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"Kings Highway" Brian Blade Fellowship Band (Stoner Hill)

Fellowship Bandとしては前作"Body and Shadow"から約6年ぶりのアルバムとなる新作がリリースされた。私はこのバンドのアルバムは第１作から全て聞いてきている（但し，音のよくない"Live from the Archive"はストリーミングだけ）が，どのアルバムも非常に高いレベルを維持したもので，時にアメリカーナを感じさせる響きは，ロック・ファンにも訴求するのではないかと思える人たちである。このバンドと並行して，Brian BladeはLifecyclesというバンドをやったり，Jon CowherdのMercy Projectにも関わったりと，いろいろやっているが，私としてはFellowship Bandが最もしっくりくるので，待望と言ってよい新作である。

但し，新作と言いながら，レコーディングされたのは2018年6月に遡るので，5年近く寝かせていたことになる。その間に，Brian BladeはStoner Hillというレーベルを自分で作ってしまっていることを考えると，既存のレコード会社（前作はBlue Noteであった）との契約も切れていたのかもしれないが，それにしてもこんないい演奏を5年も寝かせておくとはもったいない。

冒頭からいかにもFellowship Bandと言いたくなるような演奏が続く。特に2曲の長尺の曲にはついつい興奮してしまうが，ギターを除けばほぼ固定メンツを貫き，バンドとしての一体感も衰えることがない。特に本作ではギターにKurt Rosenwinkelの復帰していることが大きい。私にとってみれば，Kurt Rosenwinkelはリーダー作も悪くはないとしても，ここではそれを上回るギター・プレイを聞かせているように思えてしまう。

いずれにしても，フロントの２管，ギター，ピアノ，そしてリズムのバランスが取れていて，やはり今回も素晴らしい出来であった。そして最後は讃美歌"God Be with You"で締めるところも余韻を高めると言うべきか。これは冒頭が"Until We Meet Again"と対になっていると考えてよいだろう（"God Be with You"は"God Be with You till We Meet Again"が正式な曲名）。身体がヴィヴィッドに反応してしまうような音楽ではないが，聴いていて高い満足感を与えてくれる演奏。このメンツでの来日も祈願して星★★★★★としてしまおう。

Recorded on June 13-15, 2018

Personnel: Brian Blade(ds), Melvin Butler(ts, ss), Jon Cowhe), Melvin Butler(ts, ss), Jon Cowherd(p, org), Kurt Rosenwinkel(g), Christopher Thomas(b, synth), Myron Walden(as, b-cl)

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